"Estaba en medio de un rodaje cuando la motocicleta le golpeó", dijo un policía que no quiso ser identificado.

Tenía la intención de evocar la última herida de Grecia, la crisis financiera y el fracaso de su país y de Europa.

Decía el Maestro que durante su formación sentía la necesidad de que los planos durasen cada vez dos segundos más, "esos dos segundos preciosos que siguen a la acción."

LA MITAD DE ÓSCAR

La mitad de Óscar es su hermana. Hasta aquí puedo leer. Me gustan las películas que economizan en el uso del lenguaje, pero que no ocultan información al espectador, no es éste el caso. Me pregunto si Martín Cuenca vería aquella Delta, de Mundruzco... Paralelismos evidentes: una historia triste, una familia que no encaja con lo que le rodea, un tabú y largos planos en silencio. La del húngaro con el Delta del Danubio de fondo, y la española con las salinas y playas de Almería. El único personaje verosímil, en ésta de Martín Cuenca, es el de un cubano haciendo de almeriense. Le falta brillo hasta en el diseño de sonido. La película no tiene música, ni la necesita, pero sus ambientes sonoros son monótonamente graves. La secuencia más destacable es la del descenso a la playa, en la que María pierde a sus acompañantes, Óscar y Jean. La enjundia del filme estaría descrita con el paisaje, el viento y ese personaje. Contando, en suma, la necesidad de libertad de la protagonista y el miedo que la atenaza. Me recuerda, algo, a aquella otra de La Dama de Shangai, en la que en lugar de bajar, suben por el acantilado, hasta que los buitres sobrevuelan sus cabezas. Gran referente. En definitiva, Martín Cuenca le da coba a una película sin ninguna progresión. Sobran diálogos de personajes pintorescos, golpes de efecto y beso final. Pero ya basta de spoilers.

 (2010)

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INDIANA JONES Y EL TEMPLO MALDITO

Continúa la saga de Indiana Jones, que acaba con las tres partes que realizó Carlos Gil como director de la segunda unidad. Y que nos ha dejado en la retina escenas de acción tan potentes como la del puente. La cinta redunda en la psicológica del personaje de Indiana Jones, descubrimos el lado más oscuro de nuestro héroe, quién se enfrenta aquí a una secta maligna que ritualiza con sacrificios humanos, capaz del control mental. Casquería aparte, en la línea de la primera entrega, rinde homenaje a las viejas películas de aventuras, algunas de ellas ambientadas también en la India, al estilo de algunos títulos firmados por Henry Hathaway, u otros como “Gunga Din” de George Stevens.

(1984)

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EN BUSCA DEL ARCA PERDIDA

El intrépido Indiana Jones, por encargo gubernamental, se lanza a la búsqueda del Arca de la Alianza, que se cree contiene las tablas de los Diez Mandamientos, y cuya leyenda atribuye un invencible poder a quién las encuentre. Misión complicada para nuestro arqueólogo favorito, donde contenderá a brazo partido con los satélites de Hitler, en una carrera calurosa por adquirir la reliquia apreciada. Todo un referente del cine de aventuras, que consagró a Steven Spilberg como maestro del cine espectáculo. Fue la gastroenteritis del Maestro la que nos dejó uno de los gags más aplaudidos de todos los tiempos: el de la escena en que Indiana Jones se enfrenta a vida o muerte con un tuareg, quien lo amenaza con los malabarismos de su sable… Lo que al principio iba a ser una confrontación a látigo y espada, perfectamente coreografiada y planificada por la segunda unidad, se solventó como todos sabemos.

 

(1981)

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CASA DE JUEGOS

Debut en el cine del dramaturgo David Mamet, respaldado por la excelente fotografía de Juan Ruiz Anchía. Una turbia, irónica, contenida y lúdica exploración del lado oscuro de un ser humano. Una insatisfecha psiquiatra, obsesionada por su trabajo, se deja seducir por un timador, viviendo así un viaje de inicio al mundo del hampa, en el que, una vez dentro, cualquier ofensa puede ser tomada como una “cuestión de honor”. La escena más destacable, en cuanto a imágenes, es en la que se conocen los protagonistas: Ella entra en la casa de juegos dispuesta a solventar las deudas de un paciente. La puerta se cierra sola. Contención. El local está casi vacío, unos tipos echando una partida al billar, apenas hacen ruido. Ella pregunta por alguien que el camarero simula no conocer. Puro cine negro, pero del austero. Finalmente oímos una voz masculina. Ella se gira, y aparece él en la sombra, vemos su silueta, pero no su cara. Cuando avanza hacia ella, la luz nos revela su tilde de capo. Llegados a este punto, sabemos, como espectadores, que el juego ha comenzado y promete ser interesante, aunque los giros, luego, sean los esperados.

(1987)

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CARMO

Una comedia romántica en la carretera, dirigida por Murilo Pasta, que recuerda aquella Airbag que produjo Arguiñano, de un tipo que mete el anular en el recto y pierde la alianza, luego debe recuperarla. Carmo, se asemeja a esta Airbag en la pamplina. Aquí, quien va de culo es el personaje que interpreta Fele Martínez en silla de ruedas, y en lugar de anillo hay aparatos de música... En esta seudo película, Fele Martínez, recuerda a la Watling de Malas temporadas, igual de blandito.

 (2008)

murilo pasta, carmo

EL PERRO DEL HORTELANO

Pilar Miró adapta un clásico, en este caso de Lope de Vega, tal y como hiciera Kenneth Branagh con Mucho ruido y pocas nueces; o Jean Paul Rappeneau, con Cyrano de Bergerac. Puro teatro llevado al cine, con una cuidada fotografía y dirección de arte. Donde se buscan composiciones pictóricas, y una armonía a través de los colores. En escenarios naturales, los protagonistas destacan por contraste sobre fondos con los que mimetizan el resto de personajes. Soluciones de vestuario imaginativas, donde se diseñaron, en un dispendio de producción, hasta los vestidos de la figuración. Una película que gusta más la segunda vez, sin esperar mucho de ella.

(1996)

pilar miró, el perro del hortelano, lope de vega

EL AMOR PERJUDICA SERIAMENTE LA SALUD

Después de Forrest Gump tocaba la réplica a la española. Apunta el título con retintín que El amor perjudica seriamente la salud, pero, perfectamente, podría haberse llamado Por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo. Más cuando en la película de Gómez Pereira hay poco de amor, y mucho de pasión y de deseo irrefrenables. La comedia se presenta como un largo flash-back donde se suceden, casi de manera fortuita, los amores y desamores de una pareja anodina, cuyos encuentros sexuales a lo largo de treinta años de historia están marcados por los hitos de la prensa rosa en nuestro país. Dos horas de pompa después, “la rutina disipa el amor”, moraleja. Típica película en la que el espectador disipado, normalmente (y me incluyo) la emprende con los gazapos para cargárselos, indiscriminadamente, a la supervisora de continuidad.

(1996)

gómez pereira

LAWRENCE DE ARABIA

Una de las películas favoritas de Steven Spielberg, admirador de David Lean. Y un clásico del cine bélico, por antonomasia. La cinta recrea los años en que el enigmático aventurero, y militar británico, Thomas Edward Lawrence (arqueólogo fascinado por el mundo árabe, y reclutado por el servicio de inteligencia británico), pasó en Oriente Medio. Al frente de la Revuelta Árabe contra los turcos durante la Primera Guerra Mundial, el relato, cómo no, está bañado de romanticismo. El propio T. E. Lawrence en vida también fue proclive a adornar sus memorias (“Los siete pilares de la sabiduría”). Gran reparto, con Peter O`Toole como estrella en la película, que le lanzaría internacionalmente, y otros lujos interpretativos como Alec Guinness, Anthony Quinn, Omar Sharif, o José Ferrer. A pesar de todo, aquí, el auténtico protagonista es el desierto. Dudo que se pueda transmitir su belleza, su grandiosidad y su dureza de forma más nítida. Mérito de la insuperable fotografía del maestro Fredie Young. La escena en la que se nos presenta al personaje de Omar Sharif, surgiendo como un espejismo de la nada, cabalgando hacia el pozo, es soberbia. El desierto está omnipresente en cada plano: de día o de noche, en los momentos de gloria, y en los de decaimiento, en la exaltación de Lawrence, y en sus humillaciones. Su presentación es impactante, con ese corte que nos transporta desde la cerilla de Lawrence al abrasador sol, y a las infinitas dunas de Arabia. David Lean maneja la escalada de la épica con maestría, e ilustra la transformación del héroe de forma particularmente trágica.

(1962)

fredie young david lean lawrence de arabia

DOCTOR ZHIVAGO

Basada en la novela homónima de Borís Pasternak, en la que se cuenta el adulterio que mantienen, en plena revolución rusa, el doctor Zhivago, médico y poeta, y la mujer que le inspira. La guerra acercará y apartará a los amantes, volverá a juntarlos y a separarlos, definitivamente. Una historia romántica, y una defensa del individualismo, en un contexto de comunismo, por parte de un hombre sensible, con el corazón dividido entre dos mujeres, que trata de mantener su vida privada. La película está envuelta en un halo de ensoñación, que se expresa a través del color, la naturaleza, los espejos y cristales difuminados por manchas, vaho, nieve o hielo, con los que se establece una continuidad estética, que remiten a las dificultades de los personajes para alcanzar sus objetivos, por ejemplo. La naturaleza como asidero divino, en momentos de zozobra, el color rojo de la Revolución, el amarillo, que representa a los amantes, etc. La fotografía le supuso su segundo Oscar al maestro Fredie Young, de los tres que conseguiría en su carrera, todos con películas de David Lean (Lawrence de Arabia, Doctor Zhivago y La hija de Ryan).

 

(1965)

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LA COLINA

Brillante cinta antimilitarista dirigida por Sidney Lumet, que nos hace reflexionar sobre el abuso de poder, la doble moral, o la deshumanización a la que conduce la disciplina militar llevada al extremo. Durante la Guerra, en un campo disciplinario del ejército británico, cinco soldados reclusos reaccionan ante las vejaciones a las que son sometidos. La sensación en el espectador al terminar la película es de impotencia frente al Sistema.

 (1965)

  

the hill sidney lumet

LA VAQUILLA

La vaquilla como metáfora de un país dividido por la guerra, y, finalmente, aniquilado. Una caricatura de los dos bandos, en los que ser rojo o azul, según Berlanga, no significaba mucho en la mayoría de los casos. Si no que todo se reducía a la mera circunstancia de haber caído en una de las dos zonas que la línea divisoria del frente había trazado. La película más ambiciosa de su director, un año le llevaría a Producción encontrar las localizaciones de rodaje. Lejos quedaron la emotividad de Bienvenido, Mr. Marshall, o la ironía de Plácido, o la contundencia de El verdugo. Una chanza, en la que su autor nos da una lección del uso sencillo de un elemento narrativo tan complicado como es el plano secuencia, pero que tendría una lectura muy distinta, si Berlanga hubiese tenido el valor de filmarla treinta años antes de lo que lo hizo.

(1985)

  

la vaquilla berlanga

THE DELTA FORCE

Así se llama el comando que capitanea el personaje interpretado por Chuck Norris, o por el peor actor del mundo, que rescatará a los pasajeros de un avión secuestrado por terroristas. Todo un dispendio de pirotecnia, pero eso sí: bien contada la acción. La última oportunidad de ver a Lee Marvin en la pantalla grande.

(1986)

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CAPITANES DE ABRIL

Sobre la Revolución de los Claveles. 1974, noche del veinticuatro al veinticinco de abril, la radio emite una canción prohibida. Es el detonante del golpe de Estado que cambiará la historia de Portugal y de sus colonias. Al son de la voz del poeta José Afonso, las tropas sublevadas toman los cuarteles y avanzan hacia Lisboa. Los oficiales del Movimiento de las Fuerzas Armadas no son Generales, si no jóvenes Capitanes, sin inclinación política, que, conscientes de la fuerte resistencia civil al régimen de Salazar, deciden acabar con las atrocidades de la guerra colonial, derrocando al Dictador.
La cinta muestra, con mayor o menor grado de acierto, lo épico y lo romántico del hecho histórico.

 

(1999)

  capitanes de abril maria de medeiros

TODOS ESTAMOS INVITADOS

Habla mudita, Camada negra, Sonámbulos, El corazón del Bosque… para llegar a esta cinta que parece rodada por un excursionista. Uno piensa que mejor que su director no acepte más películas por encargo, o se jubile, antes de salirse de la sala. En la pantalla un tema potente como es el  terrorismo en la sociedad vasca, junto a una reflexión trivial y un desaprovechamiento de las posiblilidades del género, unos personajes inverosímiles, y unos diálogos para ponerles de comer aparte. Entre medias, es decir, en lo que ocupan los puntos suspensivos, supongo que el declive de una bonita carrera.

 

(2008)

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