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domingo, 1 de enero de 2012

LA MITAD DE ÓSCAR

La mitad de Óscar es su hermana. Hasta aquí puedo leer. Me gustan las películas que economizan en el uso del lenguaje, pero que no ocultan información al espectador, no es éste el caso. Me pregunto si Martín Cuenca vería aquella Delta, de Mundruzco... Paralelismos evidentes: una historia triste, una familia que no encaja con lo que le rodea, un tabú y largos planos en silencio. La del húngaro con el Delta del Danubio de fondo, y la española con las salinas y playas de Almería. El único personaje verosímil, en ésta de Martín Cuenca, es el de un cubano haciendo de almeriense. Le falta brillo hasta en el diseño de sonido. La película no tiene música, ni la necesita, pero sus ambientes sonoros son monótonamente graves. La secuencia más destacable es la del descenso a la playa, en la que María pierde a sus acompañantes, Óscar y Jean. La enjundia del filme estaría descrita con el paisaje, el viento y ese personaje. Contando, en suma, la necesidad de libertad de la protagonista y el miedo que la atenaza. Me recuerda, algo, a aquella otra de La Dama de Shangai, en la que en lugar de bajar, suben por el acantilado, hasta que los buitres sobrevuelan sus cabezas. Gran referente. En definitiva, Martín Cuenca le da coba a una película sin ninguna progresión. Sobran diálogos de personajes pintorescos, golpes de efecto y beso final. Pero ya basta de spoilers.


 (2010)

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domingo, 25 de diciembre de 2011

EL PERRO DEL HORTELANO

Pilar Miró adapta un clásico, en este caso de Lope de Vega, tal y como hiciera Kenneth Branagh con Mucho ruido y pocas nueces; o Jean Paul Rappeneau, con Cyrano de Bergerac. Puro teatro llevado al cine, con una cuidada fotografía y dirección de arte. Donde se buscan composiciones pictóricas, y una armonía a través de los colores. En escenarios naturales, los protagonistas destacan por contraste sobre fondos con los que mimetizan el resto de personajes. Soluciones de vestuario imaginativas, donde se diseñaron, en un dispendio de producción, hasta los vestidos de la figuración. Una película que gusta más la segunda vez, sin esperar mucho de ella.

(1996)


EL AMOR PERJUDICA SERIAMENTE LA SALUD

Después de Forrest Gump tocaba la réplica a la española. Apunta el título con retintín que El amor perjudica seriamente la salud, pero, perfectamente, podría haberse llamado Por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo. Más cuando en la película de Gómez Pereira hay poco de amor, y mucho de pasión y de deseo irrefrenables. La comedia se presenta como un largo flash-back donde se suceden, casi de manera fortuita, los amores y desamores de una pareja anodina, cuyos encuentros sexuales a lo largo de treinta años de historia están marcados por los hitos de la prensa rosa en nuestro país. Dos horas de pompa después, “la rutina disipa el amor”, moraleja. Típica película en la que el espectador disipado, normalmente (y me incluyo) la emprende con los gazapos para cargárselos, indiscriminadamente, a la supervisora de continuidad.

(1996)

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domingo, 30 de octubre de 2011

TODOS ESTAMOS INVITADOS

Habla mudita, Camada negra, Sonámbulos, El corazón del Bosque… para llegar a esta cinta que parece rodada por un excursionista. Uno piensa que mejor que su director no acepte más películas por encargo, o se jubile, antes de salirse de la sala. En la pantalla un tema potente como es el  terrorismo en la sociedad vasca, junto a una reflexión trivial y un desaprovechamiento de las posiblilidades del género, unos personajes inverosímiles, y unos diálogos para ponerles de comer aparte. Entre medias, es decir, en lo que ocupan los puntos suspensivos, supongo que el declive de una bonita carrera.

 
(2008)

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viernes, 21 de octubre de 2011

MIENTRAS DUERMES

Mientras duermes en tu butaca te estás perdiendo el cuento de caperucita en la pantalla. Una caperucita crecidita (Marta Etura), de buen año, emancipada, que se ha convertido en diseñadora, ingeniera o arquitecta y vive sola. La víctima propicia del lobo feroz (Luis Tosar) -ojo al análisis freudiano de Jaume Balagueró- quien la espera cada noche bajo la cama, la droga, y hace con ella lo que quiere.
La motivación que subraya a cada minuto el psicópata es que no puede ser feliz y, lo único que le alivia, es que los demás tampoco lo sean. Por consiguiente, le va a borrar esa absurda sonrisita a la buena de caperucita de la cara. Al espectador le resbala que al prota le vaya mal en el curro, que tenga una madre lisiada, o que haya tenido un intento de suicidio ¿Todo eso para crear empatía?  Lo más ingenioso de la trama de Alberto Marini es que el lobo sea el portero, que tiene copia de todas las llaves de las puertas de la finca, y no tiene que soplar y soplar. Lo que menos, los rótulos para hacer notar el paso de los días en la ficción... o quizá sea para diferenciarlos. Los diálogos sobran en su mayoría. La señora, madre del psicópata (Margarita Rosed), encamada y entubada, forzada confidente del protagonista, no se sabe muy bien qué pinta en la película. O sobra ella, o el monólogo interior del hijo puñetero retransmitido en off. La dirección de actores: asignatura pendiente de Balagueró en todos sus filmes. El guión redundante y previsible, a modo de TV movie, ¿acaso un manual de cómo usar todos los recursos disponibles del género con desatino?, ¿o el corolario a la hipótesis de que después de “Psicosis” no hay nada que hacer? Lo más irrisorio es la venganza del prota hacia la señora de los perritos (Petra Martínez), una venganza de rellano de escalera: “vieja solterona infeliz”, le canta en la contumelia. Ella se va con la lágrima tras la oreja. Desde el punto de vista del violador, acosador, manipulador, asesino, asalta casas, etc. el trato a la niña (Iris Almeida), testigo de sus crímenes, y chantajista ocasional, puede considerarse de políticamente correcto, pero no hay dios que se lo trague. La cinta, por cierto, está plagada de reacciones inverosímiles por parte de sus personajes. Véase la incompetencia de la policía investigando el crimen, digna de TBO. Desde la fotografía resultan interesantes algunas atmósferas, pero su director, Pablo Rosso, abusa demasiado de la luz de relleno, cuestión de gustos. Un filme de suspense suspenso, por no agotar aquí los juegos de palabras fáciles.


(2010)

domingo, 24 de julio de 2011

BLACKTHORM. SIN DESTINO

La ucronía de un forajido legendario, Butsh Cassidy, que en la posteridad defenderá el bien, la lealtad y la justicia. Una mirada nostálgica de Mateo Gil al western, en un escenario espectacular como el altiplano boliviano, con una fotografía de Juan Ruiz Anchía a la altura del paisaje.

Grandes referentes: Ford, Hawks, Leone, Pekinpah, Roy Hill, Sidney Pollack… y un homenaje aburrido a todos ellos. Un proyecto ambicioso, apuntalado en los convencionalismos del género. Una lástima, el guión de Miguel Barros prometía hasta la aparición del primero de los múltiples e inexpresivos flashback de la película.

Sam Shepard encarna (al pelo) al protagonista. Un viejo vaquero que, por un breve momento antes del fin, siente volver a sus viejas ilusiones y energías, impulsado por quien cree es la reencarnación del pasado, de sus antiguos amigos e ideales. Y ese personaje, el joven ingeniero de minas protagonizado por Eduardo Noriega (quien pone las mismas caras de siempre), que, irónicamente, procede de la vieja Europa, es quien le hace ver el futuro: un futuro donde los términos morales se confunden peligrosamente con el propio beneficio. Completa este elenco estelar Stephen Rea, quien hace de sheriff irlandés (no vean la versión doblada), y cuyas motivaciones desconocemos.
 
En fin, "Blackthorm. Sin destino", parece el guiño de Mateo Gil a su amigo Amenábar.

(2011)

martes, 11 de enero de 2011

TODAS LAS CANCIONES HABLAN DE MÍ

Con un buen título, para un grupo de facebook, debuta Jonás Trueba en la gran pantalla. De familia de cineastas (gran losa), el joven Jonás siempre será juzgado por ser “hijo de”, y no por lo que hace. Vagará por su cinematografía, condenado por las injustas críticas de frustrados y envidiosos, pero con la bendición de ser financiado en un proyecto, que en condiciones normales habría llegado, a lo sumo, a cortometraje de fin de carrera.

La historia es la de un chico que trata de olvidar a una chica mientras se zumba a otras (el amor siempre es doloroso). “Todas las canciones hablan de mí” alude a ese estado de ánimo, de romanticismo al uso, aquel de cartas de puño y letra. El protagonista, atrincherado entre libros, está harto de pensar en lo que podrá ser, y quiere vivir el momento. Entre medias, referencias literarias, momentos musicales, guiños al gran cine... Aunque no tiene malogrado el gusto este Jonás, se encuentra falto de naturalidad, de mordacidad y de fotografía, en un ejercicio de estilo pretencioso.


(2010)


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viernes, 31 de diciembre de 2010

BALADA TRISTE DE TROMPETA

La trillada historia del payaso que se enamora de la bailarina. Un presupuesto por las nubes. Un director, Álex de la Iglesia, que se cree Fellini, y que sea homenajea a sí mismo con escenas que recuerdan a otras de sus películas, como ya le pasó a Almodóvar. Otro pez gordo del cine español cuyo ego canibalizó al cineasta. ¿Acaso querrán medírsela con Berlanga o Buñuel?

Desde mi punto de vista, humilde pero serio, este director que utiliza la memoria histórica de trasfondo para su película, se  podría haber metido sus metáforas por el orto. A medio camino entre el TBO y la criatura de Stephen King (léase, la estructura y consistencia dramática del primero; y el manierismo, del segundo), “Balada triste de trompeta” es un “truño” (expresión que robo a un compañero de butaca) magnífico.

El mérito de haber logrado el premio al mejor guión y director en Venecia lo tienen los productores, supongo, a la hora de untar manteca. Secuencias que no se entienden, personajes que realizan acciones incomprensibles, casualidades por las que avanza la historia, etc. Una película que demuestra, una vez más, que en el cine español no hay muchas pelis buenas, pero sí -excepción hecha de sus directores- buenos profesionales detrás de las cámaras. Destacable aquí: la dirección artística, el vestuario, el maquillaje, el sonido, los  efectos especiales, la foto (aunque se la han metido doblada a Kiko de la Rica montando algunos planos donde son evidentes las fuentes de iluminación), la postproducción, e incluso los créditos iniciales.

Para reírse del cine español, más barato hincharse de yerba y abrir un blog.


(2010)


jueves, 9 de diciembre de 2010

ESPAÑOLADA

A finales de los años veinte del cine español se buscaban líneas de producción que garantizasen rápidamente una buena acogida entre el público, sin que ello supusiese un gran riesgo empresarial, o sea: películas comerciales a la par que baratas. Buscándose géneros que conectaran con la sensibilidad popular y reduciéndose costes de producción (lo cual, en muchas ocasiones, afectaba a la factura del producto). Con lo que se pone el ojo en aquellos asuntos que ya habían demostrado sus probabilidades de triunfo en otros medios artísticos o del espectáculo, se adapta, en el caso de “La verbena de la Paloma”, la zarzuela al cine, o se tratan cuestiones tan sociales como el honor y el hambre en “La aldea maldita”, que bebe directamente del melodrama.
Y esa traslación de géneros al cine, ese afán de acercamiento y de agradar al vulgo, se convierte en punto de inflexión no superado y en paradigma del cine español actual. Véase el paralelismo entre títulos como “Fútbol, amor y toros” de Florián Rey, después de una obra maestra como “La aldea maldita”; y la contemporánea “Días de Fútbol”. O entre la “La verbena de la Paloma” y “Al otro lado de la cama”, sobran argumentos para pensar que el mayor defecto del cine español es el populismo, los tópicos, y la estereotipificación de tramas y personajes.


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UN BUEN DÍA LO TIENE CUALQUIERA

No es de extrañar que, Santiago Lorenzo, tras esta comedia prefiera “dirigir” novelas, según se desprende de declaraciones suyas. Sólo le faltó añadir, como aquél ateo, en su mensaje pesimista: con Cimadevilla (productor) hemos topado. Seguramente, la cinta nace con la voluntad de reírse de los problemas, y así se nos presentan: la bancarrota, el robo que suponen las hipotecas, las dificultades de hallar una vivienda digna, el paro, estudiar unas oposiciones como única expectativa laboral, la soledad de nuestros mayores, las personas buenas, las malas, las manipuladoras, etc. Al final, cosa de quince minutos más tarde, tiene las fuerzas de un cuerpo vampirizado. Lo que resulta paradójico, pues, desde el punto de vista técnico, esta es la única película de Santiago Lorenzo sin taras. Nada que ver con aquellas: “Bru”, “manualidades” o “mamá es boba”, que adolecían en luces, montaje o audio, ni con su espíritu. Sólo se reconoce al director en el detalle de un cuadro que hace esquina, el cual representa un florero.



(2007)

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MALAS TEMPORADAS

Película de tramas múltiples, al estilo de Robert Altman, pero sin tanto acierto. Manuel Martín Cuenca nos presenta a unos personajes en crisis, que pierden carácter, poco verosímiles, sus reacciones no se adecuan a sus condiciones, todos tienen una vida anterior, pero no son coherentes con ésta. Al espectador le da lo mismo que el cubano hubiera estado enrollado con la educadora social, cuando los dos personajes están juntos no hay la menor complicidad. Esta misma educadora social es lo más ingenuo que se pueda echar uno a la cara en su trabajo en una ONG. A una persona así, se le supone un bagaje mínimo, ¿cómo está tan descolocada con un hijo adolescente que no quiere salir de su cuarto? A este mismo adolescente le meten una joven y guapa canguro en casa y no tiene el más mínimo trato con ella. Las incongruencias humanas son ilimitadas, pero en el cine el director juega con sus propias reglas, si tenía pensado saltárselas, ¿por qué no creó otras reglas? Como anuncia su título, “Malas temporadas”, cuenta las miserias de un grupo humano que atraviesa una mala racha y, que, interiormente, están anclados en el pasado. Sólo cuando buscan y aceptan ayuda son capaces de seguir adelante. Idóneo el uso de la cámara al hombro en la calle y en aquellos espacios que no pertenecen a los protagonistas, subrayando así el conflicto externo, y la cámara fija en interiores, o con movimientos muy suaves, para lo contrario.



 (2005)

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EL CALENTITO

Ambientada en la España de 1981, en pleno escenario de la movida madrileña, concretamente en un garito llamado “El calentito”. Regentado por un travesti, cuyo hijo se avergüenza de él, y que tiene que hacer frente a la presión social de un vecindario que no acepta su ambigüedad sexual. Vemos cómo tiene que prostituirse, accediendo al chantaje de la policía, para poder mantener abierto su negocio y único medio de vida. Dicho personaje protagoniza uno de los momentos más dramáticos del filme, ante el temor de que se consolide el golpe de estado perpetrado por Tejero el 23 F, relegando a un segundo término a la verdadera protagonista de esta cinta. Chus Gutiérrez desaprovecha así una potente trama en beneficio de otra más débil y principal, que narra la pérdida del virgo de una chica, aterrizada por casualidad en un grupo punk, y su emancipación ¿Por qué ha escogido tan mal la directora los derroteros de esta historia? Tenía todos los ingredientes para hacer algo medianamente interesante y se ha quedado como una corcha flotando en la superficie ¿Debió esta directora predicar con el ejemplo, y hacer lo que sus personajes?, ¿no renunciar a su estilo de vida y a sus soeces canciones, en aras de una mayor proyección comercial?




(2005)

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CARLOS CONTRA EL MUNDO

Sobre la negación de asumir el rol de cabeza de familia en lugar del cabeza de familia, se asienta esta tragicomedia. Primer largometraje de Chiqui Carabante, que nos cuenta la aventura cotidiana de un joven de madurez incipiente, pusilánime y con síndrome de Peter Pan, renuente al papel que una madre castradora y, por extensión, la sociedad, le asignan. Para lo cual busca como subterfugio un empleo imaginario al que cada mañana finge dirigirse, trajeado con el antiguo terno de su padre. Incomprendido, su mentira se erigirá tan alta y tan débil como un castillo de arena. Carabante satiriza aquí, quizá, el mundo matriarcal de su málaga natal. Un buen debut cinematográfico, tan inocuo como un final abierto.

(2003)

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DÍAS DE FÚTBOL

Un grupo de pusilánimes amigos, incapaces de encontrar una forma mejor de salir de sus frustraciones, se apuntan al torneo de fútbol del barrio, igual que cuando eran chavales. Algo patético. Su director y también guionista, David Serrano, emboza de manera inteligente esta comedia, dando un mensaje aparentemente positivo, que tiene que ver con la visión de la amistad masculina como algo inmutable, capaz de soportar cualquier prueba. Tipos convencidos de saber qué es lo mejor para cada uno de sus amigos, pero que no ven sus propias desgracias. La película, sin embargo, tiene problemas de ritmo y se pierde el interés al empezar.


 (2003)

 

LA FLAQUEZA DEL BOLCHEVIQUE

Adaptación al cine de la novela homónima de Lorenzo Silva, quien, además, cooperó con el guión. Cuenta cómo la vida de un hombre desencantado y aburrido toma un nuevo rumbo tras un accidente de circulación. Lo que comienza siendo una venganza se convierte en la obsesión de un hombre maduro por una adolescente. Manuel Martín Cuenca describe con acierto el progreso de este estupro a una menor, transformado en una especie de juego de desconfianzas entre los personajes, que acaba convenciendo al espectador de la honestidad de los sentimientos que se reflejan en la pantalla. Aquello resulta un amor imposible, y la fatalidad actuará de modo terrible. Este romance se ve reforzado por la interpretación magnética de la joven actriz María Valverde, que seduce, literalmente, a la cámara y obnubila al director, quién pierde de vista la trama principal. Para pasar un buen rato.


(2003)

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EL OTRO LADO DE LA CAMA

Comedia con numeritos musicales sin más pretensiones que divertir, igual que una fiesta de intercambio de parejas. Aunque de esto último puede uno arrepentirse si expía la melopea. En el caso de la película, se arrepiente uno de no haber entrado al cine borracho. Resumo: dos parejas de amigos, donde la novia de uno lo abandona por su mejor amigo, sin que éste lo sepa; y el mejor amigo, que tima a la amante, y a su compañera sentimental, es a su vez engañado por ella que se la pega con el primer cornudo, completando así el círculo de infidelidades nada original. El esquema se reproduce en la subtrama: más amigos y más astas. Canciones de Kiko Veneno, de Tequila, de Coque Malla o de Los Rodríguez, salpicadas aquí y allá, con sus correspondientes gorgoritos y pinitos de los actores con más tirón en la taquilla. Relaciones basadas en la mentira constante, la falta de límites y de respeto mutuo. Demostrando, una vez más, que al macho español le gusta reírse del orgullo herido de otro macho español. En cuanto al conflicto, se resuelve finalmente destapando sus respectivas infidelidades. Después de aliviar sus rabias en un violento partido de tenis, se hace una fiesta y todo queda en familia. Es lo que tiene la comedia española, todas parecen cortadas por el mismo patrón, y todo, al final, vuelve a ser como al principio. Los productores no tienen más que desempolvar guiones y aliñarlos con canciones populares de los ochenta. Al parecer, es el público de treinta y pico el que tiene dinero para ir al cine. Las nuevas generaciones se quedan en casa, consolándose con la play.
(2002)

 

DARKNESS

Darkness de Jaume Balagueró habla del miedo infantil a la osuridad. Fin. La típica historia de una casa encantada, donde sus moradores conviven con presencias extrañas. Numerosos referentes: El resplandor de Kubrick; La leyenda de la mansión del infierno de John Hough; La casa encantada de Robert Wise; El sexto sentido de Night Shyamalan; las novelas de Lovecraft, etc. ¿De qué le han servido a Balagueró? Su película fatua empuja al espectador a un pozo de sopor.


(2002)

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MAMÁ ES BOBA

Una película que lo dejó sin dormir, reconoce que tuvo problemas para su distribución, sólo la reclamaron los festivales. El fallo, obvio, salta al oído. Una forma de pagar la novatada. Presupuesto inicial: cuarenta y siete millones de pesetas. Coste final: ochenta millones, más publicidad… La gente se lo desayunó y lo dilapidó en taxis, justifica Santiago Lorenzo. Que debió juntarse con un equipo bastante sibarita. “Mamá es boba” es una comedia con enjundia y divertida, coherente con el universo, que anticipaba el novel director en sus cortometrajes “Tiberiades” y “Manualidades”, donde la infancia es el punto de referencia, tan mordaz con lo medios de masas como en “Bru”. Una cima en la carrera de Santiago Lorenzo y un punto de inflexión.



(1997)

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LOS AMANTES DEL CÍRCULO POLAR

La vida vista como un círculo de casualidades, y, por ende, lo romántico. Qué casualidad que tu enamorado sea también tu hermanastro. Y por qué se marcha de tu lado, no sé, le habrá dado una neura. El amor cambia, luego su destino será buscarte, espéralo sentada… Así parece moverse, Médem, en los límites de la minitrama, con la agilidad de un pies planos: un romance, dos personajes, un incesto, giro casual, hacemos converger sus historias, luego las hacemos divergir, en lugar de un círculo tenemos un ocho, ¿qué pasaría si los protagonistas volvieran a estar juntos? Un autobus. Lo malo es que Médem no nos quiere mostrar las incoherencias de la vida. Más bien cavila sobre una lógica azarosa que la predetermina. Otto, tiene el mismo nombre capicúa que un piloto alemán, y se convertirá, a su vez, en piloto, y será rescatado del mismo modo que lo fue el alemán, bla, bla, bla. El destino de los personajes está marcado por el demiurgo de las casualidades, o sea su director. Esta es la paja mental de medéM, que luego explicará él mismo, más tarde, en Lucía y el sexo. Como guisar Jo qué noche de Scorsese con Romeo y Julieta: una pasta sólo digerible por los amantes de Corin Tellado.



(1998)

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TESIS

Película con la que debuta un novel Alejandro Amenábar en el cine, apadrinado por José Luis Cuerda. Y lo hace sobre los andamiajes de un género ya llevado a su esplendor por el maestro Hitchcock. Con lo cual, pese a que toda primera obra merece el beneplácito de la duda antes de discutir sobre el talento o no de su perpetrador, tengo en cuenta que todos los resortes del género ya han sido hallados, y que la búsqueda de una narración cinematográfica novedosa, propia del director que empieza, en este filme es poquita. Con esta Tesis, dudo que, Amenábar, lograra doctorarse, valga el juego de palabras. Me aventuro a decir que si esta “Tesis” lo fuese de su autor para doctorarse, se quedaría en licenciado. En su propósito de intrigar al espectador, Amenábar balbucea como un niño que imita los sonidos de la madre. Un guión naif, con personajes a los que, en principio, se les presupone un nivel intelectual y cultural alto, universitarios de último año de carrera, estudiante de doctorado, profesores de facultad, resulta que reaccionan igual que adolescentes, pensando en blanco y negro. Se suceden persecuciones en la pantalla un tanto absurdas, que llevan al espectador a preguntarse desde el comienzo por: ¿Qué temor tiene… Cuál es el temor de …un profesor de Comunicación Audiovisual de sacar una cinta de la videoteca… que accede a los fondos de la videoteca para sacar una cinta? ¿sufre… Es que sufre… será manía persecutoria… el hombre? Amenábar elige como tema para la película el mismo que trata su personaje protagonista en una tesis doctoral: la violencia audiovisual. Lástima que ese planteamiento, que podría haber desarrollado y convertido…, con el talento necesario,… en un discurso apasionante, al final se queda en una pequeña pincelada, en cuanto a crítica hacia ese morbo execrable del que son culpables espectadores y, sobre todo, medios de comunicación. Y sobre el que Amenábar ironiza con acierto, introduciendo una cartel que reza: “les advertimos que las siguientes imágenes pueden herir la sensibilidad del público…”, antes de que el telediario emita una horrible snuff movie.


 (1996)

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