EN BUSCA DEL ARCA PERDIDA

El intrépido Indiana Jones, por encargo gubernamental, se lanza a la búsqueda del Arca de la Alianza, que se cree contiene las tablas de los Diez Mandamientos, y cuya leyenda atribuye un invencible poder a quién las encuentre. Misión complicada para nuestro arqueólogo favorito, donde contenderá a brazo partido con los satélites de Hitler, en una carrera calurosa por adquirir la reliquia apreciada. Todo un referente del cine de aventuras, que consagró a Steven Spilberg como maestro del cine espectáculo. Fue la gastroenteritis del Maestro la que nos dejó uno de los gags más aplaudidos de todos los tiempos: el de la escena en que Indiana Jones se enfrenta a vida o muerte con un tuareg, quien lo amenaza con los malabarismos de su sable… Lo que al principio iba a ser una confrontación a látigo y espada, perfectamente coreografiada y planificada por la segunda unidad, se solventó como todos sabemos.

 

(1981)

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CASA DE JUEGOS

Debut en el cine del dramaturgo David Mamet, respaldado por la excelente fotografía de Juan Ruiz Anchía. Una turbia, irónica, contenida y lúdica exploración del lado oscuro de un ser humano. Una insatisfecha psiquiatra, obsesionada por su trabajo, se deja seducir por un timador, viviendo así un viaje de inicio al mundo del hampa, en el que, una vez dentro, cualquier ofensa puede ser tomada como una “cuestión de honor”. La escena más destacable, en cuanto a imágenes, es en la que se conocen los protagonistas: Ella entra en la casa de juegos dispuesta a solventar las deudas de un paciente. La puerta se cierra sola. Contención. El local está casi vacío, unos tipos echando una partida al billar, apenas hacen ruido. Ella pregunta por alguien que el camarero simula no conocer. Puro cine negro, pero del austero. Finalmente oímos una voz masculina. Ella se gira, y aparece él en la sombra, vemos su silueta, pero no su cara. Cuando avanza hacia ella, la luz nos revela su tilde de capo. Llegados a este punto, sabemos, como espectadores, que el juego ha comenzado y promete ser interesante, aunque los giros, luego, sean los esperados.

(1987)

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CARMO

Una comedia romántica en la carretera, dirigida por Murilo Pasta, que recuerda aquella Airbag que produjo Arguiñano, de un tipo que mete el anular en el recto y pierde la alianza, luego debe recuperarla. Carmo, se asemeja a esta Airbag en la pamplina. Aquí, quien va de culo es el personaje que interpreta Fele Martínez en silla de ruedas, y en lugar de anillo hay aparatos de música... En esta seudo película, Fele Martínez, recuerda a la Watling de Malas temporadas, igual de blandito.

 (2008)

murilo pasta, carmo

EL PERRO DEL HORTELANO

Pilar Miró adapta un clásico, en este caso de Lope de Vega, tal y como hiciera Kenneth Branagh con Mucho ruido y pocas nueces; o Jean Paul Rappeneau, con Cyrano de Bergerac. Puro teatro llevado al cine, con una cuidada fotografía y dirección de arte. Donde se buscan composiciones pictóricas, y una armonía a través de los colores. En escenarios naturales, los protagonistas destacan por contraste sobre fondos con los que mimetizan el resto de personajes. Soluciones de vestuario imaginativas, donde se diseñaron, en un dispendio de producción, hasta los vestidos de la figuración. Una película que gusta más la segunda vez, sin esperar mucho de ella.

(1996)

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EL AMOR PERJUDICA SERIAMENTE LA SALUD

Después de Forrest Gump tocaba la réplica a la española. Apunta el título con retintín que El amor perjudica seriamente la salud, pero, perfectamente, podría haberse llamado Por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo. Más cuando en la película de Gómez Pereira hay poco de amor, y mucho de pasión y de deseo irrefrenables. La comedia se presenta como un largo flash-back donde se suceden, casi de manera fortuita, los amores y desamores de una pareja anodina, cuyos encuentros sexuales a lo largo de treinta años de historia están marcados por los hitos de la prensa rosa en nuestro país. Dos horas de pompa después, “la rutina disipa el amor”, moraleja. Típica película en la que el espectador disipado, normalmente (y me incluyo) la emprende con los gazapos para cargárselos, indiscriminadamente, a la supervisora de continuidad.

(1996)

gómez pereira

LAWRENCE DE ARABIA

Una de las películas favoritas de Steven Spielberg, admirador de David Lean. Y un clásico del cine bélico, por antonomasia. La cinta recrea los años en que el enigmático aventurero, y militar británico, Thomas Edward Lawrence (arqueólogo fascinado por el mundo árabe, y reclutado por el servicio de inteligencia británico), pasó en Oriente Medio. Al frente de la Revuelta Árabe contra los turcos durante la Primera Guerra Mundial, el relato, cómo no, está bañado de romanticismo. El propio T. E. Lawrence en vida también fue proclive a adornar sus memorias (“Los siete pilares de la sabiduría”). Gran reparto, con Peter O`Toole como estrella en la película, que le lanzaría internacionalmente, y otros lujos interpretativos como Alec Guinness, Anthony Quinn, Omar Sharif, o José Ferrer. A pesar de todo, aquí, el auténtico protagonista es el desierto. Dudo que se pueda transmitir su belleza, su grandiosidad y su dureza de forma más nítida. Mérito de la insuperable fotografía del maestro Fredie Young. La escena en la que se nos presenta al personaje de Omar Sharif, surgiendo como un espejismo de la nada, cabalgando hacia el pozo, es soberbia. El desierto está omnipresente en cada plano: de día o de noche, en los momentos de gloria, y en los de decaimiento, en la exaltación de Lawrence, y en sus humillaciones. Su presentación es impactante, con ese corte que nos transporta desde la cerilla de Lawrence al abrasador sol, y a las infinitas dunas de Arabia. David Lean maneja la escalada de la épica con maestría, e ilustra la transformación del héroe de forma particularmente trágica.

(1962)

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DOCTOR ZHIVAGO

Basada en la novela homónima de Borís Pasternak, en la que se cuenta el adulterio que mantienen, en plena revolución rusa, el doctor Zhivago, médico y poeta, y la mujer que le inspira. La guerra acercará y apartará a los amantes, volverá a juntarlos y a separarlos, definitivamente. Una historia romántica, y una defensa del individualismo, en un contexto de comunismo, por parte de un hombre sensible, con el corazón dividido entre dos mujeres, que trata de mantener su vida privada. La película está envuelta en un halo de ensoñación, que se expresa a través del color, la naturaleza, los espejos y cristales difuminados por manchas, vaho, nieve o hielo, con los que se establece una continuidad estética, que remiten a las dificultades de los personajes para alcanzar sus objetivos, por ejemplo. La naturaleza como asidero divino, en momentos de zozobra, el color rojo de la Revolución, el amarillo, que representa a los amantes, etc. La fotografía le supuso su segundo Oscar al maestro Fredie Young, de los tres que conseguiría en su carrera, todos con películas de David Lean (Lawrence de Arabia, Doctor Zhivago y La hija de Ryan).

 

(1965)

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LA COLINA

Brillante cinta antimilitarista dirigida por Sidney Lumet, que nos hace reflexionar sobre el abuso de poder, la doble moral, o la deshumanización a la que conduce la disciplina militar llevada al extremo. Durante la Guerra, en un campo disciplinario del ejército británico, cinco soldados reclusos reaccionan ante las vejaciones a las que son sometidos. La sensación en el espectador al terminar la película es de impotencia frente al Sistema.

 (1965)

  

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LA VAQUILLA

La vaquilla como metáfora de un país dividido por la guerra, y, finalmente, aniquilado. Una caricatura de los dos bandos, en los que ser rojo o azul, según Berlanga, no significaba mucho en la mayoría de los casos. Si no que todo se reducía a la mera circunstancia de haber caído en una de las dos zonas que la línea divisoria del frente había trazado. La película más ambiciosa de su director, un año le llevaría a Producción encontrar las localizaciones de rodaje. Lejos quedaron la emotividad de Bienvenido, Mr. Marshall, o la ironía de Plácido, o la contundencia de El verdugo. Una chanza, en la que su autor nos da una lección del uso sencillo de un elemento narrativo tan complicado como es el plano secuencia, pero que tendría una lectura muy distinta, si Berlanga hubiese tenido el valor de filmarla treinta años antes de lo que lo hizo.

(1985)

  

la vaquilla berlanga

THE DELTA FORCE

Así se llama el comando que capitanea el personaje interpretado por Chuck Norris, o por el peor actor del mundo, que rescatará a los pasajeros de un avión secuestrado por terroristas. Todo un dispendio de pirotecnia, pero eso sí: bien contada la acción. La última oportunidad de ver a Lee Marvin en la pantalla grande.

(1986)

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CAPITANES DE ABRIL

Sobre la Revolución de los Claveles. 1974, noche del veinticuatro al veinticinco de abril, la radio emite una canción prohibida. Es el detonante del golpe de Estado que cambiará la historia de Portugal y de sus colonias. Al son de la voz del poeta José Afonso, las tropas sublevadas toman los cuarteles y avanzan hacia Lisboa. Los oficiales del Movimiento de las Fuerzas Armadas no son Generales, si no jóvenes Capitanes, sin inclinación política, que, conscientes de la fuerte resistencia civil al régimen de Salazar, deciden acabar con las atrocidades de la guerra colonial, derrocando al Dictador.
La cinta muestra, con mayor o menor grado de acierto, lo épico y lo romántico del hecho histórico.

 

(1999)

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TODOS ESTAMOS INVITADOS

Habla mudita, Camada negra, Sonámbulos, El corazón del Bosque… para llegar a esta cinta que parece rodada por un excursionista. Uno piensa que mejor que su director no acepte más películas por encargo, o se jubile, antes de salirse de la sala. En la pantalla un tema potente como es el  terrorismo en la sociedad vasca, junto a una reflexión trivial y un desaprovechamiento de las posiblilidades del género, unos personajes inverosímiles, y unos diálogos para ponerles de comer aparte. Entre medias, es decir, en lo que ocupan los puntos suspensivos, supongo que el declive de una bonita carrera.

 

(2008)

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MIENTRAS DUERMES

Mientras duermes en tu butaca te estás perdiendo el cuento de caperucita en la pantalla. Una caperucita crecidita (Marta Etura), de buen año, emancipada, que se ha convertido en diseñadora, ingeniera o arquitecta y vive sola. La víctima propicia del lobo feroz (Luis Tosar) -ojo al análisis freudiano de Jaume Balagueró- quien la espera cada noche bajo la cama, la droga, y hace con ella lo que quiere.
La motivación que subraya a cada minuto el psicópata es que no puede ser feliz y, lo único que le alivia, es que los demás tampoco lo sean. Por consiguiente, le va a borrar esa absurda sonrisita a la buena de caperucita de la cara. Al espectador le resbala que al prota le vaya mal en el curro, que tenga una madre lisiada, o que haya tenido un intento de suicidio ¿Todo eso para crear empatía?  Lo más ingenioso de la trama de Alberto Marini es que el lobo sea el portero, que tiene copia de todas las llaves de las puertas de la finca, y no tiene que soplar y soplar. Lo que menos, los rótulos para hacer notar el paso de los días en la ficción... o quizá sea para diferenciarlos. Los diálogos sobran en su mayoría. La señora, madre del psicópata (Margarita Rosed), encamada y entubada, forzada confidente del protagonista, no se sabe muy bien qué pinta en la película. O sobra ella, o el monólogo interior del hijo puñetero retransmitido en off. La dirección de actores: asignatura pendiente de Balagueró en todos sus filmes. El guión redundante y previsible, a modo de TV movie, ¿acaso un manual de cómo usar todos los recursos disponibles del género con desatino?, ¿o el corolario a la hipótesis de que después de “Psicosis” no hay nada que hacer? Lo más irrisorio es la venganza del prota hacia la señora de los perritos (Petra Martínez), una venganza de rellano de escalera: “vieja solterona infeliz”, le canta en la contumelia. Ella se va con la lágrima tras la oreja. Desde el punto de vista del violador, acosador, manipulador, asesino, asalta casas, etc. el trato a la niña (Iris Almeida), testigo de sus crímenes, y chantajista ocasional, puede considerarse de políticamente correcto, pero no hay dios que se lo trague. La cinta, por cierto, está plagada de reacciones inverosímiles por parte de sus personajes. Véase la incompetencia de la policía investigando el crimen, digna de TBO. Desde la fotografía resultan interesantes algunas atmósferas, pero su director, Pablo Rosso, abusa demasiado de la luz de relleno, cuestión de gustos. Un filme de suspense suspenso, por no agotar aquí los juegos de palabras fáciles.

(2010)

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EL ÁRBOL DE LA VIDA

Este canto a la vida de Malick dura 138 minutos. Tirando de lupa, telescopio, microscopio y caleidoscopio, como el infante que devendrá poeta, el cineasta demostrará que la creencia no es un modo arbitrario de acercarse a la realidad, sino que implica una profunda intuición de la misma. La noticia de la muerte del hijo baña a una madre en una crisis de fe. “…En lugar de curar las heridas, dios manda moscas…” Esto le sucede a una familia burguesa en Texas, años 50. Palma de Oro en el Festival de Cannes, se ha comparado a su director con Tarkovski. Una madre llena de gracia que trata de infundir en sus vástagos el amor a la existencia. Un padre autoritario que lacera el corazón de sus hijos con el rigor de su amor. Y unos niños vulnerables en la senda de la vida. Maravillosa sucesión de postales, fotografía de Lubezki. El sol es un lugar en el que se ha detenido, otros son los árboles y los animales, así es dios. Malick parece querernos explicar el sentido de la vida y del mundo con mejor caligrafía que un nativo americano analfabeto, y logra hacerlo con menor mesura claro está. Una puesta en imágenes de la música, un detonante de recuerdos, como es la palabra muerte, un diálogo con dios, un distanciamiento del espectador hasta los orígenes mismos del universo y un chiste de dinosaurios entremedio. El discurso de Malick es, hacia el final, de una espiritualidad rayana en el anuncio de compresas.

(2011)

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BLACKTHORM. SIN DESTINO

La ucronía de un forajido legendario, Butsh Cassidy, que en la posteridad defenderá el bien, la lealtad y la justicia. Una mirada nostálgica de Mateo Gil al western, en un escenario espectacular como el altiplano boliviano, con una fotografía de Juan Ruiz Anchía a la altura del paisaje.

Grandes referentes: Ford, Hawks, Leone, Pekinpah, Roy Hill, Sidney Pollack… y un homenaje aburrido a todos ellos. Un proyecto ambicioso, apuntalado en los convencionalismos del género. Una lástima, el guión de Miguel Barros prometía hasta la aparición del primero de los múltiples e inexpresivos flashback de la película.

Sam Shepard encarna (al pelo) al protagonista. Un viejo vaquero que, por un breve momento antes del fin, siente volver a sus viejas ilusiones y energías, impulsado por quien cree es la reencarnación del pasado, de sus antiguos amigos e ideales. Y ese personaje, el joven ingeniero de minas protagonizado por Eduardo Noriega (quien pone las mismas caras de siempre), que, irónicamente, procede de la vieja Europa, es quien le hace ver el futuro: un futuro donde los términos morales se confunden peligrosamente con el propio beneficio. Completa este elenco estelar Stephen Rea, quien hace de sheriff irlandés (no vean la versión doblada), y cuyas motivaciones desconocemos.
 
En fin, "Blackthorm. Sin destino", parece el guiño de Mateo Gil a su amigo Amenábar.

(2011)

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